En el nombre del cine

prueba

2006-11-27T13:39:00.000+01:00

De libros y encuestas

2006-11-26T14:22:00.000+01:00

Últimamente, Tyler tiene monopolizado el blog. Él va al cine con mayor frecuencia que yo, y en cuanto a las críticas de estrenos recientes tiene más que decir. Pero para que veáis que nos importan también otras cosas, voy a cambiar de tercio.

El otro día me regalaron un libro muy interesante que me apetecía recomendar a todos los amantes del séptimo arte. Se llama 1001 películas que hay que ver antes de morir, de la editorial Grijalbo, y coordinado por Steven Jay Schneider, aunque participan numerosos críticos y estudiosos cinematográficos.

Esta obra supone una enumeración extensa, con reseñas y pequeños comentarios incluidos, de las películas más importantes e influyentes que se han producido desde los inicios del siglo pasado. Filmes de todas las nacionalidades y colores, de todos los géneros habidos y por haber. Algunos nos suenan más y otros menos, pero todos ellos son destacados por motivos concretos.

Esta lista casi inacabable se inicia con la mítica Viaje a la luna, del francés George Melies (1902), la de la nave que aterriza dentro del ojo de nuestro satélite, y concluye en 2005 con El jardinero fiel. O sea que podéis ver que está actualizada, y cubre un margen temporal de más de 100 años.

De momento sólo lo he ojeado por encima, pero poco a poco iré leyéndolo con atención. Muchas películas las he visto ya, y otras no me suenan de nada. Pero lo bueno es que este minucioso libro nos llama la atención sobre filmes que merecen ser rescatados y descubiertos, así como de otros que conocemos pero que no nos habían llamado la atención en un principio. Es muy difícil llegar a ver algunos de estos títulos semidesconocidos; Dios sabe dónde debemos buscar. Lo mejor es recurrir a la Filmoteca o al DVD, aunque seguro que muchos no están editados. Y, por supuesto, con la televisión no podemos contar; no merece la pena esperar que programen cintas desconocidas para el gran público. Algunas de ellas son, además, muy antiguas.

1001 películas que hay que ver antes de morir incide en mi interés por acercarme a las películas consideradas como las más importantes en la Historia del Cine. Mi intención es conocer la actualidad, pero también remontarme a los inicios de esta disciplina, el dónde se gestó todo, y las repercusiones que determinados filmes han tenido en futuros proyectos.

Sobre este tema de las listas, ya en su día me llamó mucho la atención una encuesta que publicaron en el número de diciembre de 1999 en la revista Cinemanía, en la que numerosos medios e instituciones especializadas, españoles y extranjeros, enumeraban Las 100 mejores películas del siglo XX.

Esta relación de títulos estaba encabezada, como es costumbre en este caso, por la legendaria Ciudadano Kane, la ópera prima de Orson Welles (1941). A ésta le seguían La regla del juego, de Jean Renoir (1939); El acorazado Potemkin (Sergei Mijailovich Eisenstein, 1925); Centauros del desierto (John Ford, 1956), y La pasión de Juana de Arco (Carl Theodor Dreyer, 1928).

Esta lista centenaria incluía títulos hiper conocidos para todos, como Casablanca, Lo que el viento se llevó, El padrino, 2001: Una odisea del espacio, Los siete samuráis, Con faldas y a lo loco... Y se cerraba en el puesto 100 con La parada de los monstruos, de Tod Browning (1932), una película extraordinaria sobre el horror y la compasión.

Algunas curiosidades de la encuesta: los dos directores con mayor número de títulos entre los votados eran Charles Chaplin (concretamente, aparecían La quimera del oro, Luces de la ciudad, Tiempos modernos y Monsieur Verdoux) y Alfred Hitchcock (con Vértigo, Con la muerte en los talones, mi amada Psicosis y 39 escalones, por este orden).

Con tres obras entre las elegidas estaban nombres importantes del séptimo arte como Welles (con la citada Kane, El cuarto mandamiento y Sed de mal), John Ford (Centauros, Pasión de los fuertes y La diligencia), Ingmar Bergman (El séptimo sello, Fresas salvajes y Persona), Michael Powell y Emeric Pressburger (Las zapatillas rojas, Orfeo negro y A vida o muerte), David Lean (Breve encuentro, Lawrence de Arabia y Cadenas rotas), Federico Fellini (Ocho y medio, Amarcord y La strada), Billy Wilder (Con faldas, Perdición y El crepúsculo de los dioses) o Francis Ford Coppola (El padrino I y II, y Apocalypse now).

Entre las ausencias más llamativas, figuran títulos que hoy gozan de mucha fama, como El apartamento o El buscavidas, y entre las seleccionadas no había ninguna película de Woody Allen ni de Clint Eastwood.

El filme de producción más reciente incluido en la lista era, precisamente, La lista de Schindler (1993), del señorito Spielberg.

Las representantes españolas eran tres: Un perro andaluz y Viridiana, de Luis Buñuel, y El espíritu de la colmena, de Víctor Erice.

Lo dicho, 100 películas en total elegidas por los especialistas. Entre estos, miembros de publicaciones relevantes como Cahiers du Cinema, Tiempo (de Italia) o The Critics Film Guide (E.E.U.U.). También participaron en la votación asociaciones como la Film Comment inglesa, la Asociación Francesa de Críticos, la Broadcast Information y el Instituto de Cine Británico.

De momento, he disfrutado, y a veces padecido, 56 títulos del centenar que componen la terna de películas. Intentaré ver las restantes antes de morir, porque lo de las 1001 va a ser más complicado.

Si tenéis alguna curiosidad sobre algún aspecto de la lista, podéis preguntar.

Casino Royale. Sabor agridulce

2006-11-25T21:07:00.000+01:00

Llega una nueva era en la saga de James Bond. Esta nueva estapa tiene un nombre: Daniel Craig. Pese a las innumerables críticas que recibió la elección de este actor inglés para suceder a Pierce Brosnan, sin duda los productores dieron en la diana.

Casino Royale es un film de Bond con todo lo que conlleva: localizaciones exóticas, coches de lujo, mujeres despampanantes, trajes de marca, villanos con alguna tara física... Sin embargo, el aire nuevo que le han dado al personaje es suficiente para que nos demos cuenta que ésta no es como las demás.

Craig ha creado un Bond más bruto, más duro, más implacable. También mucho más fanfarrón y divertido cuando lo requiere. Lejos de los doscientos mil artilugios que usaban sus otros "hermanos mayores", este Bond resuelve a base de tiros y puñetazos. Más bruto, pero con menos "estilo".

Es muy loable el intento de los guionistas de dar un nuevo carácter al espía más famoso del cine. En Casino Royale, se profundiza en la personalidad de 007. En el film, comprenderemos ciertos hábitos y ciertos comportamientos de Bond en próximas entregas. Al ser una vuelta a los orígenes, nos cuentan cómo se convierte en agente 00, cómo descubre el martini con vodka, y por qué prefiere pasar de las relaciones estables, para tener una novia en cada puerto.

Si en 007 al servicio de su Majestad veíamos cómo Bond se enamoraba y llegaba a casarse, aquí vemos al Bond más humano. Se enamora de verdad de Vesper Lynd (Eva Green, que no hace de chica Bond al uso), es capaz de dejarlo todo por una mujer. Y, por raro que parezca, lo que puede ser una virtud para el personaje es lo que lastra la película. La historia de amor se alarga demasiado, y se vuelve un tanto tópica. Quizá se podía haber contado lo mismo en menos tiempo.

Son dos horas y media que se podían haber dejado fácilmente en dos. La trama está bien llevada, aunque en el fondo el argumento se limite a una partida de cartas (muy interesante). La historia es: un malvado, Le Chiffre (Mads Mikkelsen, perfecto en su papel), debe recuperar 100 millones de dólares que ha perdido. Para ello, organiza una partida de póker en el Casino Royale de Montenegro. El MI6 quiere impedirlo, ya que ese dinero es para financiar a terroristas, y Bond debe ganar esa partida, ya que es el mejor jugador de cartas de la Organización.

Lógicamente, el film no se reduce a eso y desde luego, las escenas de acción están muy conseguidas. La persecución incial con el "yamakasi", saltando por edificios y luchando en una grúa a 20 metros (o los que sean), está realmente conseguida y es espectacular. Las escenas de la partida consiguen crear mucha tensión y entretener pese a ser eso, jugar a las cartas. Atención al momento desfibrilador, o a una escena de tortura que es lo mejor de la película.

¿Y qué es lo que falta? Entre otras cosas, la historia da una sensación de que ha pasado menos de lo que debería. Cuando se encienden las luces, da la sensación de que falta algo, te deja un poco frío. Mi buen amigo Oso55, (webmaster de CineCutre, web en la que escribo con el nombre de Dimitri Hardcore) dice que el problema es el final. Puede ser eso. Pese a que han buscado un gran epsectáculo con Vencecia como escenario y un edifico derrumbándose, el final de la historia no está a la altura del resto del metraje y eso lastra el resultado final. Además, no han cerrado del todo la trama, han dejado algún cabo suelto que se deduce terminarán de atar en 2008.

La dirección merece un destacado en está crítica. Martin Campbell, quien ya dirigiera Goldeneye, hace un trabajo mucho más rotundo en ésta. Su dirección carece de efectismos baratos, apenas alguna cámara lenta en un moemto muy puntual. Visualmente es muy potente, y las escenas de acción están perfectamente contadas y ejecutadas. Te enteras perfectamente de lo que pasa, y no por ello se renuncia al espectáculo. Digo esto, porque parece que la moda de los nuevos directores que se creen que hay que reinventarlo todo, es mover la cámara sin sentido, abusar de cámara rápida, en definitiva, marear al espectador, y que la sala de montaje haga todo el trabajo. Se agradece que gente como Campbell sigan apostando por la sencillez sin renunciar a nada. Lee Tamahori, realizador de la anterior peli Bond, Muere otro día, una abominación que no había por dónde agarrar y llena de disparates; debería aprender un poco de cómo se dirige la acción.

James Bond ha vuelto, con nuevo look, pero con el mismo esmoquin, acompañado de nuevo de M (Judi Dench, soberbia como siempre, y con más peso en la trama), con sus chicas, su Aston Martin y su humor inglés. Faltan clásicos como Moneypenny, que seguro se han reservado para futuras entregas, pues recordemos de nuevo, este es un nuevo principio para la saga y queda mucho por ver.

En nuevo estilo promete, pero quizá el hecho de ser la primera de una nueva etapa merma el conjunto del film, ya que no es redondo y la historia está un poco desaprovechada. El romance entre Bond y Lynd le pesa demasiado al conjunto, y le sobra media hora larga que le hubiera hecho ganar en ritmo. Aún así, es un entretenimiento de primera, y Craig da una lección a todos aquellos que desconfiaron de sus aptitudes como actor. Tiene un físico que se sale del clásico 007, pero le da más personalidad que nunca. Por mucho que a algunos les joda él es Bond, James Bond, y por mí, que siga muchos años. Nota:6

Saw III. Una mierda con mucho tomate

2006-11-24T19:14:00.000+01:00

¿Qué pasa si metemos en una coctelera a un director nefasto, un guionista narcotizado, un grupo de actores horrendos y truculencia chusca? Sí, lo han adivinado, que nos sale Saw III, la tercera de esta saga de thrillers, que no sólo no ha renovado el género sino que lo ha devaluado.

¿Y para qué coño te metes si no te gustaron las dos anteriores? Buena pregunta, el caso es que pese a ser unos bodrios de aúpa, entretienen. Pero si ya las dos anteriores partes hacían muestras de un guión desfasado, macabro y rebuscado hasta cotas insospechadas, esta tercera roza lo absurdo: no hay por dónde cogerla.

Recuerdo cuando Saw apareció en los cines, allá por principios de 2005. "Es la nueva Seven", "el thriller del siglo XXI", había leído. Claro, yo que soy un fan empedernido de Seven y de El silencio de los corderos, tenía que ver ese film dispuesto a competir con esos clásicos contemporáneos.

Para mi sorpresa, encontré una odea original sí, (dos tíos encerrados en una habitación sin conexión aparente, que deben luchar por su vida ante un despiadado asesino en serie que les va poniendo a prueba), pero lo que ví fue una película con giros argumentales sin pies ni cabeza, y sobre todo con una dirección videoclipera y un montaje frenético que jodía todo la trama y el ritmo.

Esta Saw III tiene al guionista habitual Leigh Whannell, al director de la segunda, Darren Lynn Bousman (que sustituyó a James Wan) y de nuevo, vemos las correrías de un Puzzle terminal, que eso sí, sigue siendo omnipotente y omnipresente. Maneja el tiempo a voluntad, la física y todas las leyes que rigen el mundo, que se las pasa por el forro.

Este cierre temporal de la saga, comienza ligado a la anterior cinta, por lo que si te estás pensando el ir a verla (cosa que dudo), te recomiendo echarle un vistazo a su predecesora aunque sólo sea para ponerte en situación en la trama.

Como el argumento es surrealista, barato y tan sumamente intrincado e imprevisible, paso de escribir nada sobre él. Sólo diré, que Puzzle, el tierno asesino, secuestra a una doctora a la que obliga a mantenerle con vida (recordemos que Puzzle sufre un tumor cerebral que lo tiene en las últimas). La doctora lleva un collar con unas pistolas alrededor del cuello, que se accionarán si el corazón de Puzzle deja de latir... Acojonante.

Pero, en cualquier caso, vamos con lo que es el"sello de distinción" de esta trilogía. Las muertes salvajes y rebuscadas. Esta tercera tenía un halo de morbo, después de las noticias de los desmayos en Inglaterra, su restricción en Francia a los mayores de 18, vómitos y demás chorradas. Pamplinas. Esta película no tiene, repito, no tiene, nada más duro, más gore o más truculento que las dos anteriores. Además, joder, si vas a ver Saw III, se deduce que has visto sus predecesoras, ¿de qué se escandaliza la gente? Si vomitaste con la tercera, ¿por qué no con la segunda?

A mí sin duda, me produjo más canguelo la escena de Saw II en la que deben buscar una llave en un agujero lleno de jeringuillas; que una chica congelada, o un tipo al que le van retorciendo las articulaciones.

Y otra cosa, ¿si ya sabes que es mala, por qué te vas de la sala? Eso me pasó cuando la ví. Tres personas se fueron, posiblemente indignadas. Per a ver merluzos, ¿no habéis visto las dos anteriores? ¿qué tiene está que no tengan las otras? En la misma mierda, el que paga sabe a lo que se expone.

Este film es un "todo vale", donde sólo importan los imaginativos crímenes, donde sorprender al espectador es la premisa básica, a cambio de sacrificar el guión. En ningún momento te identificas con los "buenos" o con las pobres víctimas, no hay tensión, no hay emoción, el caso es ver por dónde saldrá el argumento.

La expectación la genera el hecho de "a ver qué coño pasa al final" y es que desde luego, si en algo supera ésta a las anteriores Saw es que el final es aún peor y menos creíble. Un bodrio de altura, con mucha sangre, pero con ninguna neurona. Así sale lo que sale. Nota:4 Porque a pesar de todo te entretiene.

Estrenos del 24 de noviembre. Bond ha vuelto

2006-11-24T00:00:00.000+01:00

Una semana más, volvemos con lo más destacado que podréis encontrar en las carteleras. El número 1 de taquilla que ocupa Saw 3 (infecta película de la que escribiré en breve), será desbancada por el regreso del agente secreto más mítico del cine.

Casino Royale: Vuelve Bond, James Bond, el agente 007, más renovado que nunca. Tras Pierce Brosnan, su sustituto ha sido Daniel Craig (Munich, Camino a la Perdición) no sin generar toneladas de polémica.

La que es la cinta número 21 de la saga, retoma los orígenes del espía de la mano de Martin Campbell, quien en su día dirigiera Goldeneye. Escenas espectaculares, persecuciones y tiros, en un Bond con otro estilo, más duro, más vulnerable y sin tanto "juguetito" de alta tecnología. En el guión ha participado Paul Haggis, autor del de Million Dollar Baby y director de la oscarizada Crash.

Lo cierto es que la elección de Daniel Craig, después de un sinfín de rumores donde se mencionó a gente como Clive Owen, Hugh Jackman o incluso Rupert Everett; no ha gustado a los incondicionales de la saga. Se le acusa de ser rubio, de no dar el "perfil" e incluso se pidió el boicot contra el film. Sin haberla visto, Craig no parece una mala elección, y parece que ha gustado bastante en el papel. Guste o no, volverá a ser 007 allá por el 2008. Mejor acostumbrarse.

Como buena película de Bond, no podían faltar las "jamonas" o "chicas Bond". Eva Green (Soñadores), es la mujer por la que el hombre del martini con vodka perderá la cabeza. Caterina Murino también peleará por el amor de James, aun estando casada con el malvado de la trama, Le Chiffre, interpretado por el casi desconocido Mads Mikkelsen.

El Perfume. Historia de un asesino: Tom Tykwer, realizador de la original Corre, Lola, Corre adapta la novela homónima de Patrick Süskind.

En el sur de Francia, en pleno siglo XVIII, un hombre con un increíble sentido del olfato, pero que no puede producir olor, aterroriza a la población debido a sus macabros asesinatos de mujeres, a las que "robará" el olor para hacer el perfume perfecto.

Dustin Hoffman, Alan Rickman y Rachel Hurd-Wood, acompañan a Ben Whishaw, que encarna a Jean-Baptiste Grenouille, el mencionado asesino. Una producción europea con sabor a Hollywood. No en vano, se han dejado 60 millones de euros.

El Gran Silencio: Sin duda, una de las producciones más insólitas del año (y puede que de la década). Philip Gröning, director alemán, convivió con los monjes de un monasterio cartujo durante seis meses, en los que, a parte de realizar las tareas diarias, se dedicaba a filmar un documental sobre su día a día. Nada de artificos, ni de música ni de efectos de luz o de sonido, la cámara como testigo de la vida de estos monjes y punto.

Son 164 minutos donde lo que importa es lo que se ve, y más lo que se oye, que es más bien poco, pero he ahí la gracia: cómo el silencio de estos hombres es un personaje más de este documental, que ha triunfado en sitios como Sundance. A tener en cuenta.

El camino de San Diego: Maradona es en Argentina (y fuera también), prácticamente un dios, alguien que trascinede el fútbol y su fama, y pasa a ser algo más. Maradona es noticia incluso cuandono no hay noticia. Por eso, el realizador Carlos Sorín, narra la historia de un hombre, Tati Benítez, fanático del Diego, que tras enterarse de que éste yace en el hospital aquejado de una dolencia cardiaca, no dudará en emprender un viaje para entregarle una talla de madera con su aspecto. La película pasó por la Sección Oficial del festival de San Sebastián.

R.I.P.: Robert Altman

2006-11-22T19:09:00.000+01:00

El pasado lunes falleció en Los Angeles, a los 81 años de edad, el realizador norteamericano Robert Altman, cinco veces nominado al Oscar al mejor director por M.A.S.H., Nashville, El juego de Hollywood, Vidas Cruzadas y Gosford Park. Aunque nunca logró el premio, el año pasado se le concedió el Oscar honorífico por toda su carrera tras la cámara, estatuilla que recibió de manos de Meryl Streep y Lili Tomlin, en un estado de salud ya demasiado delicado.

Altman fue un cineasta casi siempre bien tratado por la crítica, con mucha reputación entre los actores y muy influyente en el trabajo de otros compañeros de profesión, como por ejemplo Paul Thomas Anderson, autor de Boogie nights y Magnolia.

Nunca fue visto con buenos ojos por parte de Hollywood. Sus temas más comunes fueron la crítica política y social, siempre buscando una segunda lectura acerca de la realidad, y sobre todo un amplio compendio de sensaciones, mentiras y verdades sobre las relaciones humanas.

Entre sus obras, además de las ya citadas, se encuentran: Los vividores, Un largo adiós, Tres mujeres, Popeye, Pret-a-porter, Kansas City, Cookie´s fortune, Conflicto de intereses y El Dr. T y las mujeres.

Su filme póstumo, A prairie home companion, podrá verse próximamente en nuestras pantallas. En su reparto figuran Meryl Streep, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson, Virginia Madsen, Kevin Kline, Lili Tomlin, Lindsay Lohan y John C. Reilly.

El grupo de actores que componen esta película es una muestra de la capacidad que tenía Altman para rodearse de nombres ilustres, a los que siempre les complacía trabajar con este cascarrabias transgresor.

Borat. Un original desfase

2006-11-19T18:52:00.000+01:00

El viernes, se estrenó en España la comedia revelación en Estados Undios, Borat. Su protagonista es Sacha Baron Cohen, cómico inglés que tiene varios personajes de su cosecha como el que nos ocupa, o el aberrante Ali G.

Me picaba la curiosidad con este film. Presentado a modo de documental (falso, aunque a veces te queda la duda), narra las aventuras de Borat, un periodista (o algo así) de Kazajistán, que decide viajar a Estados Unidos para empaparse de la cultura americana con el fin de mejorar su país.

En USA está siendo el furor. Y pese a que su humor es bastante bruto, zafio y barriobajero, no sólo el público sale entusiasmado, sino que la crítica ha salido cautivada. En Metacritic.com, web que hace la media de las notas de las películas en los distintos periódicos y revistas, la media es de 89 sobre 100. Para que el lector se haga una idea, una película como Banderas de nuestros padres de Clint Eastwood, tiene una valoración de 78.

Borat es una crítica feroz contra la cultura norteamericana, las minorías sociales, las religiones... no deja títere con cabeza. Kazajistán tampoco sale muy bien parado: se presenta como un país absolutamente sucio y empobrecido, donde los coches funcionan tirados por dos mulas. Sin duda, es una exageración, pero claro, los kazajos no han tardado en atacar la película debido a la imagen que se muestra de ellos.

El film se centra en el choque de culturas. Cómo un kazajo se tiene que empapar de las costumbres estadounidenses. Por ejemplo, Borat saluda a los hombres dándoles dos besos, lo que en USA no está muy bien visto, y no dudarán en amenazarle con darle una paliza si continúa con su peculiar saludo.

Borat es un ser misógino, antisemita y sin modales, que deberá lidiar con la alta sociedad, con grupos feministas, con judíos acogedores (en una escena realmente gloriosa), con predicadores católicos, con raperos de gueto; donde absorberá un poquito de todos.

Por ejemplo, irá a un concesionario a pedir "el mejor coche con el que atropellar a una familia gitana", y el vendedor no dudará en recomendarle el Hummer por su robustez. Ya os hacéis una idea de lo que va la película.

Borat, va acompañado de su obeso productor, con el que protagonizará la escena más asquerosa, salvaje y vomitiva de los últimos tiempos. No quiero contar nada, pero del asco pasas al ataque de risa, debido a que la escenita se alarga hasta tal punto que no puedes parar. En serio, ver a dos hombres desnudos pelearse... bueno me callo.

El mayor acierto de este film, es la sensación de documental, lo que le da realismo a lo que vemos. Muchas veces, no sabremos si las situaciones son reales o no. Yo aún tengo la duda en algunos momentos.

En fin, una comedia original y distinta, muy bruta y no apta para todos los gustos, pero con la que sales contento, porque da lo que promete, ni más ni menos. Nota:7

Como es dificil de explicar, os dejo con este vídeo y así juzgáis por vosotros mismos:

Misión:Imposible III. A la tercera va la vencida

2006-11-17T18:57:00.000+01:00

El pasado miércoles 8 de noviembre, acudí raudo y veloz al Fnac de Callao en Madrid, para adquirir en DVD, la que para mí es una de las pelis del año: Misión:Imposible:III (a partir de ahora M:I:III).

Esta saga, protagonizada y producida por Tom Cruise (ahora de actualidad debido a su multitudinaria boda), me encandiló desde que en 1996 ví la primera parte, dirigida por Brian de Palma.

Cine de espías en estado puro, acción de la buena, tensión, thriller... Misión:Imposible tenía todos los elementos necesarios para triunfar. No era un simple entretenimiento, sino una más que notable película de espionaje y aventuras.

En 2000 apareción la segunda parte, hoy odiada por la mayoría de personas con criterio. Cruise se equivocó apostando por el realizador hongkonés John Woo, autor de "peliculones" tales como Blanco Humano, Broken Arrow o Cara a Cara. El estilo de Woo es acción de diseño y coreografías a tutiplén, cargado de una pretenciosidad y un estilo ciertamente irritantes. Del guión paso, gracias. Diálogos absurdos, situaciones surrealistas y palomas mesiánicas acabaron con el buen nombre de su predecesora. Más que un film de acción, aquello era una comedia con muchos tiros y patadas imposibles con estética Matrix. Sorprendentemente, funcionó a las mil maravillas en la taquilla, sobrepasando los 200 millones de dólares en USA, y batiendo récord de recaudación en el primer fin de semana por aquel mayo del ya lejano año 2000. Sin duda, la calidad de la primera entrega arrastró al público que salió más que decepcionado.

Pero he aquí que este 2006 la tercera parte se estenó sorprendiendo a todo aquel que se acercó hasta el cine. Cruise confío en J.J. Abrams, creador de series de culto como Alias o Lost (dirigió ambos pilotos), que se estrenaba como realizador en un largometraje.

Tras el mal sabor de boca de la segunda parte, el escepticismo era máximo. Los trailers, no aportaban demasiado y pese a que muchos nos mordíamos las uñas epserando el estreno, muchos desconfiaban de la calidad de ésta, con sospechoso parecido al "estilo" de John Woo.

Pero nada más lejos de la realidad. Abrams (que firma el guión junto con Alex Kurtzman y Roberto Orci), da un nuevo sentido a la palabra acción. Su película es sencillamente soberbia, tanto desde el punto de vista visual como narrativo.

M:I:III es lo que debería haber sido la segunda. Un cambio de registro respecto a la de De Palma, incidiendo en la acción, pero sin descuidar el guión y dándole una trama acorde con lo que debe ser una cinta de espías.

Durante dos horas, vemos la acción mejor filmada que yo haya visto en mucho tiempo. Un espectáculo que no cesa. Ya la primera escena, antes de los titulos de crédito con la famosa cerilla te deja con la boca abierta.

Abrams, como bien sabe hacer en sus series, juega con el espectador, sigue un orden no lineal y se preocupa de sus personajes. Vale, puede que los secundarios no estén muy trabajados, pero desde luego el personaje de Ethan Hunt (Tom Cruise) y del villano Owen Davian (Philip Seymour Hoffman) llenan el metraje a cada segundo.

Lo de Philip Seymour Hoffman es brutal. Pese a que su personaje no sale demasiado en la película, consigue dotar a este villano de una maldad y una crudeza que ya querrían para sí todos esos malvados de segunda de los filmes de Bond. Una elección perfecta.

Esta M:I:III a pesar de ser una cinta de acción sin freno, es también una historia de amor. Gustará más o menos, pero lo que mueve a Ethan Hunt es el amor. A diferencia de las anteriores (la segunda sobre todo), donde Hunt es invulnerable, un superhéroe perfecto impasible ante la adversidad, aquí el personaje es más vulnerable que nunca, sufre más que nunca y se mueve por los sentimientos más que nunca.

Un agente secreto es, pòr naturaleza, un ser solitario, sin compromisos que debe jugarse la vida cada día. tener una relación seria no parece fácil. Y no lo es, pero Ethan Hunt no quiere renunciar a Julia (Michelle Monaghan). Aspira a vivir una vida tranquila como instructor de agentes, hasta que el secuestro de su mejor discípula le obliga a pasar al juego, al campo de batalla, y cómo.

No me extenderé más, sólo quiero remarcar dos secuencias brillantes: el tiroteo del puente y el robo de la pata de conejo en Shanghai. No digo más, por si el lector no la ha visto. Y merece la pena verse.

Muchos dicen que es un simple hit veraniego. Yo creo que es algo más. La demostración de que con talento visual y un guión de lujo (con sus cositas, pero perdonables), cualquier género puede ser redescubierto y que en la acción no todo está visto. Un peliculón como la copa de un pino.
Nota:9

Estrenos del 17 de noviembre

2006-11-16T18:52:00.000+01:00

Vamos a intentar que esta sección sea una costumbre. Queremos hablaros de las películas que aterrizan cada viernes en nuestras pantallas.

Esta semana no tiene demasiada chicha. Y es así porque algunos hijos de su madre son responsables de haber retrasado el estreno de Banderas de nuestras padres, del enorme Clint Eastwood, hasta el mes de enero, como ya sabéis. Mi gozo, y el de los admiradores del gran cine, en un pozo. Pero bueno, seguiremos esperando.

Por cierto, hoy me he enterado de que el estreno de Letters from Iwo Jima, la segunda película de Eastwood sobre el asunto de la batalla estadounidense-japonesa de la II Guerra Mundial, va a adelantarse al 20 de diciembre en E.E.U.U. para que pueda competir también en la próxima edición de los Oscar. Me parece bien, aunque seguramente en España tardaremos mucho más en verla. Al menos espero que llegue a nuestro país casi a continuación de Banderas, para que podamos apreciar, de una manera acorde con las intenciones del director, el significado de su nuevo proyecto. Esto es, un relato bélico separado en dos pero con el mismo conflicto como raíz, que manifiesta el deseo del veterano realizador de ofrecer una visión fiel y cercana al tema en cuestión desde la perspectiva de las dos partes implicadas. Todo un acto de honestidad por parte de un hombre cuyo arte nadie puede discutir.

Pero bueno, vamos ya con los estrenos destacados.

Beyond the sea: Nueva película dirigida por el excelente actor Kevin Spacey, que ya se puso tras la cámara en una cinta poco recordada, Albino alligator (1997), en cuyo reparto aparecían Matt Dillon, Faye Dunaway, Gary Sinise y Viggo Mortensen. El filme nos llega con más de un año de retraso.

Spacey interpreta, además, el personaje principal: Bobby Darin. Este cantante norteamericano se hizo popular en su país en los años 50 y 60 por componer, entre otras, el tema que da título a la película.

El oscarizado protagonista de Sospechosos habituales y American beauty aporta su propia voz al personaje, demostrando además sus dotes para el canto. Le acompaña en el reparto Kate Bosworth, con la que volvería a trabajar posteriormente en Superman returns.

El ilusionista: nuevo filme que introduce el tema de la magia en una historia (como ya se vio en Scoop y se verá en la futura The prestige) y que cuenta el caso de un mago de la Viena de finales del siglo XIX que utilizará todos sus artificios para recuperar a la prometida del príncipe Leopoldo de Austria, de la cual estuvo enamorado.

Dirigida por el semidesconocido Neil Burger y protagonizada por el semidesaparecido Edward Norton y Paul Giamatti. Parece que al menos es entretenida.

Borat: el segundo mejor reportero del glorioso país Kazajistán viaja a América: extravagante título para una comedia sobre un periodista de la televisión kazaja que llega al Nuevo Mundo para hacer un documental sobre el país de las barras y las estrellas. Sus intenciones variarán al aterrizar allí, pues pasará a buscar desesperado a Pamela Anderson para ofrecerse como su esposo.

Cuando vi el anuncio en la tele por primera vez me pareció un espanto. Pero no la han puesto mal, y encima se ha colocado la primera en el box office de Estados Unidos. Tendrá su gracia.

El resto de estrenos no es demasiado destacable. También se podrán ver Dead or alive, nueva adaptación de videojuego para flipaos de la vida; La silla, un curioso relato dirigido por Julio Wallovits (co-director de Smoking room), y otros títulos como las también españolas Trastorno, Pobre juventud y El ciclo Dreyer, y la americana Step up, lánzate a bailar (que se define por sí sola).

En fin, ninguna de estas películas me interesa especialmente. Además, todavía tengo pendientes Pequeña Miss Sunshine, que me he animado a ver después de las gloriosas críticas que está acaparando, y si hay tiempo me acercaré también a la proyección de Hijos de los hombres, ese filme que tanto fascina a Tyler.

Scoop, comedia menor de Allen

2006-11-16T16:49:00.000+01:00

No sé por qué manías prejuiciosas que todos tenemos en mayor o menor medida, siempre me negaba a echarle un ojo a las películas de Woody Allen. Manías irracionales o simple escepticismo ante la valía del cine del clarinetista de Manhattan, refrendada por esa corriente de admiradores que tiene rendidos a sus pies. Con el tiempo me he acercado a su obra, y después de ver 11 de sus filmes, reconozco en este director una mirada inteligente y original que me anima a seguir descubriendo cosas nuevas en el resto de sus películas. Sean más encendidos o menos los elogios hacia sus largometrajes, no hay duda de que Allen es un tipo necesario en el panorama cinematográfico, y que su costumbre de realizar un nuevo trabajo cada año, a su edad, es una tarea muy meritoria.

Scoop supone su proyecto de 2006. Se trata de una comedia ligera similar a las que Woody Allen solía abordar en la primera etapa de su carrera, y que utiliza como pretexto argumental una trama de asesinatos en serie investigados por una aspirante a periodista (Scarlett Johansson) y un veterano mago (el propio director). Claro que lo que a Allen le interesa no es enredarse en un argumento intrincado de misterio ni jugar con el suspense, sino aprovechar la situación para crear una historia divertida más basada en los diálogos que en las situaciones. Aunque cuenta con algunas escenas logradas, como la que abre el filme y lo cierra, estos gags visuales resultan menos eficaces que las frases propias de la verborrea del personaje de Allen, al que por otro lado ya tenemos demasiado visto.

Londres vuelve a ser el escenario elegido por el director para desarrollar la historia, como ya lo fuera en su anterior, y superior, Match point. Allen sabe reflejar bien el tema de la clase alta inglesa, pero tampoco profundiza demasiado ni aprovecha el juego que podría dar en una comedia. En realidad, no profundiza en nada. Lo fía todo a la pura comedia, y a Scoop le perjudica no estar respaldada por una historia que, al menos, mantenga el interés cuando los momentos cómicos no funcionan.

Los actores hacen un buen trabajo. Hugh Jackman, como principal sospechoso de los crímenes, me demostró que sabe interpretar. Tenía yo algunas dudas sobre su capacidad ante las cámaras.

La Johansson también evidencia que tiene dotes para la comedia. Su personaje de periodista nerviosa e ingenua le hace explorar unos registros que no son habituales en su trayectoria. En este caso, resuelve la papeleta de forma convincente. No me cabe duda de que es buena actriz (ya lo demostró en Lost in translation y La joven de la perla, por ejemplo), y sabe elegir proyectos muy diferentes. Lo que demuestra que además es inteligente en la forma que tiene de labrarse su carrera. Y encima está como está la chica. Casi nada.

En conclusión, Scoop es una comedia para pasar el rato, que recuerda a trabajos anteriores de Woody Allen como Misterioso asesinato en Manhattan y La maldición del escorpión de Jade. Gustará más a los que tenga la risa fácil y no engatusará a los paladares exigentes.

Le doy un 6,5, a la altura de los Infiltrados de Scorsese, aunque una y otra no tengan absolutamente nada que ver.

Los Simpson dan el salto

2006-11-14T22:48:00.000+01:00

Según un estudio, en España más del 90% de la población había visto alguna vez Los Simpson. No es un dato para tomar a la ligera, ya que las infinitas reposiciones de esta veterena y mítica serie de animación, por parte de Antena 3 la han convertido en parte de nuestra cultura.

La hora de comer sin Homer, Bart, Marge, Lisa y Maggie no es lo mismo. Ahí están los datos de audiencia que demuestran que pese a que muchos nos sabemos los capítulos de memoria (y aún así nos seguimos riendo), la audiencia sigue conectando con Los Simpson.

Echemos números: Desde el 17 de diciembre de 1989, esta serie se emite con éxito en Estados Unidos, que ya disfruta de la 18ª temporada. Ha ganado numerosos premios Emmy. Es la serie de animación más longeva de la televisión, y tiene el récord de ser la serie con más capítulos de la historia.

Sus 7-8 primeras temporadas se pueden calificar como rotundas. No así las restantes. Por desgracia, el ingenio de los guionistas ha ido decayendo año a año, hasta conseguir que los nuevos capítulos produzcan vergüenza ajena.

Se ha explotado demasiado el filón de los famosos invitados para prestar sus voces, y se ha pasado de episodios con un argumento a un cúmulo de sinsentidos y gags absurdos que no consiguen recuperar ese sabor que dejaban los antiguos.

Por mucho que esta serie merezca todos los honores y haya sido inspiración de la nueva hornada de animación con "mala leche", véase South Park o Padre de familia, que beben directamente de ésta; muchos pensamos que debió acabar hace mucho tiempo.

Si un producto sigue siendo rentable, la lógica nos lleva a pensar que no se debe acabar con él. Bueno, la lógica tiene razón, pero el corazón dice otra cosa. Es humillante ver como los que eran tus personajes favoritos te revuelven el estómago, y es inevitable pensar que el filón ya está agotado.

Que no se me malinterprete. Yo he sido un adorador acérrimo de Los Simpson, tengo contas y cintas llenas de episodios, y sigo poniendo Antena 3 a las dos de la tarde. Pero precisamente, mi cariño hacia esta serie que es parte de mi vida y que me ha dado tanto, hace que sea más crítico con los nuevos capítulos.

Toda esta parrafada, querido lector, era para informarle de que el 27 de julio de 2007, se estrena mundialmente la película de Los Simpson. La expectación es máxima, así como la sensación de que esta película que muchos ansiábamos llega tarde.

Su creador Matt Groening promete que será gloriosa (que va a decir), y gente implicada en la serie como James L. Brooks, David Mirkin, Mike Scully y compañía han estado trabajando en ella.

El primer trailer oficial ya está aquí, y aunque veo que las intenciones son buenas, en minuto y medio no puedo valorar nada. Es más, si la tónica del film es como el gag del trailer mal vamos. Si los golpes y los famosos van a ser el eje central, repito, mal vamos.

Sólo espero que hayan sabido recuperar la esncia de estos perosnajes, que jueguen con sus memorables secundarios a cada cual mejor, que le den un sentido al guión y que podamos salir con una buena sonrisa en la boca. Que nos hagan reír. Yo, por mi parte, estaré allí el día del estreno. Porque, a pesar de todo querida familia, os sigo queriendo. Y os voy a dar la oportunidad.

Aquí os dejo el trailer que empieza francamente bien:

¿Por qué a ti, Eastwood?

2006-11-13T22:49:00.000+01:00

Esta semana, Norman y yo deberíamos estar planificando cómo haríamos el viernes para ver Banderas de nuestros padres, el último film de esa bestia del cine que es Clint Eastwood. Yo debería estarle diciendo a Norman: "Va a ser una chiustilla, no será para tanto", y todas esas cosas que en los últimos días le venía diciendo con el fin de picarle, y reirme un rato ante lo que para él es (o era) la peli del año.

Porque he aquí que Banderas de nuestros padres, el primero de los dos films sobre la batalla de Iwo Jima dirigido por el hombre que nos trajó la inmensa Million Dollar Baby, no se va a estrenar el 17 de noviembre. Ni siquiera se va a estrenar en el ya agonizante 2006. Habrá que esperar hasta el 5 de enero del año próximo para ver si Eastwood sigue estando en forma.

En España las distribuidoras pequeñas suelen jugar con las fechas de estreno, en busca de que su producto, normalmente una película menor, pueda competir en un fin de semana que no esté demasiado saturado de blockbusters. Sin ir más lejos, la infecta cinta de Uwe Boll (director alemán considerado actualmente como el peor director vivo, y del que ya hablaremos) Alone in the Dark, sufrió una serie de retrasos continuos que hicieron que se retrasara un año con respecto a su estreno en Estados Unidos.

Pero, ¿cuál es el motivo para que de la noche a la mañana se cambie de fecha un estreno tan llamativo como la nueva película de Eastwood? ¿De qué tiene miedo la distribuidora, Warner? Es cierto que este otoño ha sido especialmente prolífico en estrenos de calidad: Infiltrados, Hijos de los Hombres, Scoop, El laberinto del fauno... Pero ya se han estrenado, y todas, aun compitiendo de manera salvaje por un pedazo del pastel han hecho una más que buena taquilla, quizá exceptuando Hijos de los Hombres, que por alguna razón siendo una de las mejores pelis del año nadie va a ver. Misterios de la vida.

Quizá la sombra de un tal Bond, James Bond sea demasiado alargada. Recordemos que Casino Royale, la nueva entrega del agente 007 más polémica de los últimos años debido a su nuevo actor, Daniel Craig, se estrena el 24 de noviembre, razón por la que (quizás) Warner haya pensado que podría frenar el éxito de una de las favoritas a los Oscar.

Y puede que esa sea la triste y verdadera razón de todo este embolao: los puñeteros Oscar. Siendo como es una de las favoritas en las nominaciones, al menos a priori, han pensado que estrenar en enero hará más larga su trayecoria en las salas de cine. Si el 5 es el día elegido, está cerca del 12 o 13 de enero, fecha en la que se suelen anunciar las nominaciones a los premios de la Academia. Y el efecto llamada haría el resto.

En España, no nos engañemos, la mayoría del público va al cine cual borreguitos. Necesitan que les digan qué es lo que deben ver. Si un film recibe 12 nominaciones la gente irá como loca, ya que por cojones, tiene que ser buena. Million Dollar Baby arrasó en este país desde las nominaciones, y lo siguió haciendo después de alzarse con el Oscar a mejor película, actriz, director y actor secundario.

Por mucho que amemos el cine, por mucho que soñemos con ver una película desde hace meses y meses, las distribuidoras sólo piensan en hacer dinero, lo que es lícito. Pero si la idea era retrasar la película, que lo hubieran hecho antes y no hubiesen jugado con nosotros. Las principales revistas cinematográficas hicieron sus reportajes y dedicaron bastantes páginas a Banderas de nuestros padres en sus ediciones de noviembre. ¿No se podía avisar antes?

Con Uwe Boll el baile de fechas puede estar más o menos justificado, con cualquier medianía pues también, pero con CLINT EASTWOOD no se puede jugar. Este es el primer retraso, esperemos que sea el único.

Faltan buenos programas de cine en TV

2006-11-13T17:06:00.000+01:00

Cartelera no me basta.

Sé que actualmente la parrilla televisiva nos ofrece algunos programas dedicados al cine, entre ellos el espacio ya citado. Pero la mayoría suelen repetir el mismo esquema: repaso de los estrenos, pequeño bloque de noticias, algun reportajillo... ¿Dónde está ese programa que sepa acercar al público un análisis cinematográfico profundo, donde se analicen películas, actores y técnicas cinematográficas detenidamente, por gente que sabe de qué hablar, no sólo sirviendo a la mera actualidad? Que alguien lo invente.

Este arte da mucho juego, y hablar de ello puede resultado instructivo y entretenido al mismo tiempo. El cine genera pasión y odio, filias y fobias, y al fin y al cabo debate. De eso se trata: de acercarnos a una materia que influye en nuestra vida, que deja más o menos huella, pero que a todos atañe. Ninguna persona vive al margen de las películas. Terminamos viendo alguna tarde o temprano.

La fórmula de Cartelera ha sido utilizada por otros espacios cinematográficos similares, como en su día hizo Magacine, en Canal Plus. Como se comprobó, éste producto resultó superior a su precedente, pues se notaba un mayor cuidado en su contenido, pese a repetir esquemas ya conocidos. Magacine terminó desapareciendo, aunque a día de hoy seguimos contando con el veterano programa de la 1 (cuya emisión parece adelantarse cada sábado en el horario, despistando al espectador).

Las alternativas están en Días de cine, buen programa, en ocasiones algo cultureta y marginado a un horario imposible. Otra es el Megahit, un loable intento de acercamiento a la película del domingo por la noche en Telemadrid, que cada día termina siendo más corto y que no suele estar acompañado necesariamente de un buen filme, aunque para su director y presentador siempre se trate de "una de las mejores películas de la Historia del Cine", como poco.

La cadena autonómica ha puesto en marcha recientemente DCine, otro programa tipo en este género pero al que se le agradece su apuesta por un modelo de reportajes más alternativo, menos académico, y que abarca distintas épocas fílmicas. Además incluye una entrevista semanal. Se puede ver los domingos en torno a la medianoche.

Y no me pararé a hablar de Estrenos de cartelera ni basuras semejantes, esos micro espacios publicitarios de emisión próxima al viernes cuyo fin es recordarnos que se estrena tal película, y cuyo análisis del filme en cuestión resulta totalmente superficial. Más bien parecen vehículos para el lucimiento de la típica tía buena, demostrando que además de lucir palmito sabe articular palabras. O casi.

Me asegura Tyler Hunt que La hora de Boyero, un espacio canalplusero en el que el crítico de "El Mundo", Carlos Boyero (al que yo admiro y leo siempre), explica sus gustos y preferencias sobre los estrenos, no tiene demasiado donde rascar. De todas formas, me gustaría echarle un ojo algún día por curiosidad.

No nos engañemos. La mayoría de los programas de cine están concebidos con la intención de aprovecharse del éxito comercial que puedan tener algunas películas. Sus responsables televisivos pretenden arrastrar hasta la pequeña pantalla a los que acuden en masa al estreno de los principales blockbusters de cada temporada.

¡Banal estratagema! Intenten culturizar al público, hablen a la gente de cine y éstos se lo agradecerán.

Las oscarizables opciones de Volver

2006-11-05T13:14:00.000+01:00

No tengo la menor duda de que Volver va a sacar tajada en la próxima edición de los Oscar. Hay muchos factores que juegan a favor de la última película de Almodóvar, al que ya sólo su firma le valdría para garantizarse, cuanto menos, alguna que otra nominación en los premios cinematográficos de mayor relevancia mundial.

Pero es que, además, la cinta que devuelve al director manchego a sus raíces está recibiendo, en general, muy buenas críticas allá donde se ha estrenado. Y las distinciones y homenajes han empezado a caer. En primer lugar, su estreno mundial en el Festival de Cannes le reportó dos premios: el del mejor guión y el de la mejor actriz (que acabó siendo un galardón colectivo para cinco de sus actrices, Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Yohana Cobo y Blanca Portillo).

Sin embargo, estos reconocimientos parece que no satisfacieron del todo a Almodóvar, cuyas declaraciones previas a la concesión de los premios dejaban traslucir su convicción de que, en esta ocasión, lograría la ansiada Palma de Oro. No se dio el caso, pues el jurado acabó otorgando la máxima distinción del festival, un poco por sorpresa, a El viento que agita la cebada, del británico Ken Loach. (Este filme, por cierto, apunta como uno de los grandes rivales de Volver por el Oscar a la mejor película extranjera, junto a Black Book, de Paul Verhoeven, que representa a Holanda, y El laberinto del fauno, que irá por Méjico y que es muy buena).

De todas formas, en el mercado francés siempre han tratado a Almodóvar como un hijo (y se pudieran lo nacionalizarían). No hay que olvidar que le han otorgado varios César en los últimos años y que, en el certamen de Cannes 1999, se le concedió al premio al mejor director por Todo sobre mi madre. Que se quedara sin la Palma este año no merma sus opciones en los Oscar ni en ninguno de los premios que concederán las asociaciones de críticos norteamericanos. Y seguro que también estará presente en la gala de los Globos de Oro, cuyas nominaciones se conocerán a mediados de diciembre. Ardo ya en deseos de que se anuncien los candidatos a estos premios, repartidos por la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood, y que si hacemos caso del tópico, son el primer baremo fiable para hacernos una idea de lo que ocurrirá en los Oscar.

El estreno americano de Volver se produjo hace unos días en el Festival de Nueva York. La crítica se ha rendido nuevamente ante el cineasta español, y van a empezar a llegar los premios para él en este país, el cual Almodóvar parece repudiar por el tipo de comentarios que hace algunas veces.

Sobre esto quería incidir. Existe una corriente entre los profesionales del cine nacional consistente en atacar al cine norteamericano para defender los valores del español. Y luego a todos ellos se les hace la boca agua cuando les reconocen en EEUU o se les ofrece una oportunidad de trabajar allí. ¿Qué pretenden? ¿Que el público se acabe convenciendo de que hay que dejar de lado las pelis americanas y acudir en exclusiva a la proyección de las españolas? Habría que ver qué sería de muchos directores o actores de aquí si no fuera por la influencia que ha tenido sobre ellos el cine de Hollywood. Nos guste o no (a mí sí), el cine es lo que es hoy en día gracias a lo que nos llega del otro lado del charco. Se harán mejores o peores películas, igual que en España, pero no nos engañemos: no hay color. Vamos, que si nuestra cultura cinematográfica se basara én ver sólo películas españolas y algunas europeas, donde ahí sí que suelen abundar los truños y las pretenciosidades, yo no sabría donde meterme.

El primer premio importante en Estados Unidos que ha recibido Volver ha sido para Penélope Cruz como actriz principal en el Festival de Cine de Hollywood. La madrileña es, a parte de Almodóvar, la gran embajadora de la película en América, pues ya ha trabajado varias veces allí (con resultados más bien funestos) y puede contribuir a situar al filme entre los favoritos a los premios. Su interpretación es, ciertamente, bastante buena, y yo me atrevo a augurar que estará entre las cinco finalistas por el Oscar a la mejor actriz. De ahí a que lo gane hay un abismo.

Otras categorías entre las que Volver puede figurar son, fácilmente, película extranjera, director y guión original. Recordemos que hay precedentes: Almodóvar ya ganó el primero de estos tres Oscar con Todo sobre mi madre, y diez años antes estuvo nominado en esta especialidad con Mujeres la borde de un ataque de nervios. A Volver le ayuda mucho ser la seleccionada por España para competir por al premio a la cinta de habla no inglesa, pero que reciba finalmente esta distinción puede disminuir sus opciones en el resto de categorías. No afectará este hecho a las nominaciones. En 2002, Almodóvar recibió el Oscar al mejor guión original por Hable con ella, y fue nominado como mejor director (hecho histórico, ya que ningún realizador de nuestro país lo había logrado nunca) sin que su película compitiera en la categoría de las películas extranjeras. La Academia de Cine Española había elegido, con pocas luces en este caso, a Los lunes al sol, de Fernando León. No entro a valorar si el filme de León era mejor que el del manchego (que para mí sí), pero creo que habría que haber aprovechado el tirón que tienen las películas de Almodóvar para que fuera nuestra representante en la gala. Estoy seguro de que, además del premio al gúión, se habría llevado el de mejor filme de habla no inglesa.

Y, ¿quién sabe? Quizá podríamos encontrarnos con alguna sorpresa, como que Carmen Maura terminase figurando entre las elegidas al premio a la mejor actriz secundaria (algunos lo han aventurado) o, incluso, que Volver entrara en la terna de las cinco mejores películas del año, algo muy poco usual tratándose de una cinta hablada en castellano. De hecho, creo que sería el primer caso conocido.

A los reconocimientos que sigue recibiendo Volver se han unido ahora las seis nominaciones para los Premios del Cine Europeo, entre las que se incluyen las de mejor película, director, actriz y guión. Nadie duda en señalar a Almodóvar y a su criatura como los favoritos en esta competición.

El paso de los días y la llegada de más concesiones de premios (como los Globos de Oro y los galardones de las asociones de críticos americanos, que están al caer) nos ayudarán a formarnos una base fundamentada para creer en las posibilidades que pueda tener Volver en los Oscar. Para mí está entre las favoritas desde ya.

Children of Men

2006-11-05T00:27:00.000+01:00

Ya tenemos a otro socio de selecto club de "los mejores films del año", que no es otra que esta Hijos de los Hombres del director mexicano Alfonso Cuarón, que se consagra como uno de los grandes cineastas actuales.

La premisa del film es simple, pero a la vez llena de matices: en el año 2027, la Humanidad no puede concebir. En concreto, las mujeres no dan a luz desde hace 18 años, edad de la persona más joven de la Tierra que es asesinada. Sin embargo, aún hay una esperanza: una joven mujer está embarzada, pero debe llegar a un barco llamado Tomorrow, por lo que la ayuda de Theodore Faron (Clive Owen) será necesaria si la mujer y el bebé quieren llegar con vida y cambiar el negro futuro de los Hombres, que no es otro que la extinción.

Este resumen del argumento está muy simplificado, para desvelar el menor número de detalles posibles, ya que todo el que la vea (nadie debe perdérsela), cuanto menos sepa mejor. La historia en sí puede resultar un poco simple: hombre ayuda a mujer a llegar a un barco. La cuestión es lo que pasa en esa travesía, plagada de lunáticos, seres despiadados y mucha guerra.

Cuarón detalla y nos muestra en toda su crudeza un futuro no tan lejano y absolutamente pesimista y descorazonador. Un futuro con ciudades arrasadas donde los inmigrantes son tratados como carroña, encerrados en jaulas como animales. El mundo se va, literalmente, a la mierda.

La cuestión es, ¿estamos tan lejos de que los ilegales sean metidos en jaulas? ¿no está pasando ya? ¿Estamos tan lejos de sufrir un Estado puramente militarizado en pos de nuestra seguridad?
¿Estamos tan lejos de una guerra total y directa con el Islam?

Alfonso Cuarón capta todas estas cuestiones y las presenta con toda su crudeza. Cámara en mano, sumerge al espectador en toda esa situación de caos, muerte y tristeza y lo muestra sin concesiones, sin manipular al espectador.

Su dirección te deja pegado a la butaca, porque te lo muestra como si estuvieras al lado de los personajes en todo momento. Por eso, en vez de cambiar de plano cada segundo, cada toma se para en seguir a los personajes, viajamos con ellos.

Los planos secuencia son absolutamente magistrales, y en concreto, la escena del edifico, en la que más de 5 minutos (no recuerdo la duración exacta, puede que fuese más), la cámara sigue a Clive Owen y no corta en ningún momento (o al menos no se percibe).

El realismo es tal, que la comparación con el famoso desembarco de Normandia de Salvar al soldado Ryan es inevitable. Ya no sólo la similitud en la fotografía, con unos colores muy fríos, sino la sensación de mostrar hasta qué punto es cruel una batalla, con explosiones, y balas de por medio. Un buen ejemplo es que la cámara se mancha de sangre, y el plano se mantiene (el ya mencionado del edificio), como si se tratara de un reportero de guerra que no se puede permitir el lujo de dejar de grabar y limpiar el objetivo.

El protagonista, Clive Owen, experimenta un cambio a lo largo del metraje del film. Pasa de ser un borracho que sólo se preocupa de sí mismo y que está hasta los cojones de todo (de hecho, mientras el mundo entero llora la muerte de la persona más joven, a él no le produce la más mínima tristeza), a ser un hombre que se juega la vida por conseguir que esa mujer y su bebé lleguen a su destino. Además, no por una razón especialmente digna ni honrosa, sino porque no le queda más cojones.

Los secundarios también hacen su papel: Julianne Moore como siempre cumple a la perfección por pequeño que sea su papel, al igual que Michael Caine, que borda a ese hippy porrero dispuesto a todo con tal de ayudar.

Además de estos personajes que hacen funcionar la trama, el resto de secundarios se nos quedarán grabados a fuego, como ese policía cabrón, esa gitana que no para de hablar, y esos putos terroristas que creen que están haciendo el bien, cuando no hacen otra cosa que luchar por sus propios intereses.

La violencia en esta película es absolutamente explícita y se muestra con todo lujo de detalles, pero porque es necesario. Nada es gratuito, porque lo que se busca es crear la sensación de "que asco de mundo", y que deseemos con todas nuestras fuerzas que esa mujer y su hijo lleguen a ese destino, que es como un paraíso en la Tierra, el último refugio de vida y cordura que queda en el planeta.

La puesta en escena es realmente escalofriante, con un cuidado en los detalles impresionante, y unos decorados de auténtico lujo. Los efectos digitales son de los buenos, es decir, de los que no se notan, lo cual se agradece. Los medios más que nunca, están al servicio de la historia, que Cuarón narra de la mejor manera posible.

Esta cinta, demuestra que aún hay esperanza en el cine, que aún podemos emocionarnos en una sala, y que todavía hay directores con mucho que contar, a pesar de que Hollywood imponga sus remakes, secuelas y demás patrañas. ¿No la has vosto? ¿Y por qué pierdes el tiempo leyendo esto y no vas a tu cine más cercano?

Mi nota: 9. Norman, sé que por teléfono te dije que un 8,5. Pero mientras escribía la crítica me he dado cuenta de que este PELICULÓN se merece más nota.

Estrenos de la semana

2006-11-02T23:43:00.000+01:00

Parece que el otoño no da tregua, y si ya las salas están llenas de películas interesantes, no lo son menos las que llegan este viernes, donde hay cine para todos los gustos.

GAL: Jordi Mollá y Natalia Verbeke, protagonizan este thriller producido por EL MUNDO TV y dirigido por Miguel Courtois, respònsables de la correcta El Lobo. En este film, se narran los oscuros acontecimientos de principios de los 90, en las que el Gobierno socialista creó un grupo paramilitar para acabar con ETA, y cómo dos periodistas descubren todo el tinglado.

Pese al bombo que se le está dando, parece que la cinta es bastante pobre cinematográficamente, con el añadido de un Jordi Mollá diciendo doscientos tacos por minuto. Mejor esperarse a alquilarla.

Un buen año: Ridley Scott y Russell Crowe vuelven a trabajar juntos tras la exitosa Gladiator, pero esta vez en una comedia ligera de la que no se puede esperar demasiado.

Crowe, un exitoso broker de Bolsa, recibe una herencia de su difunto tío, donde le deja sus viñedos en Italia. Allí conocerá a una mujer de la que se enamorará, y que seguro (hagamos de futurólogos) le hará descubrir que el dinero no lo es todo, y que lo más importante es el amor. ¿Por qué Ridley Scott se empeña en tirar su carrera por la borda? ¿Y por qué Crowe se une a él para rodar esta gilipollez?

Una verdad incómoda: Uno de los documentales más aclamados del año, que trata un tema de suma importancia: los efectos de la contaminación en nuestro planeta, que no es poco. Además, como maestro de ceremonias está Al Gore, antiguo vicepresidente de Estados Unidos, que parece dispuesto a luchar contra la destrucción de la Tierra.

Un documental para hacer reflexionar y provocar un poquito de inquietud en el ciudadano medio, un poco perdido en este tema.

Todos los hombres del rey: Remake del film El Político, está vez protagonizado por Sean Pen, junto con gente como Jude Law, James Gandolfini, Kate Winslet o Anthony Hopkins. Dirige Steve Zaillian, más conocido por ser el guionista de La lista de Schindler o Hannibal.

A pesar de ser a principios de año una de las películas con claras aspiraciones a los Oscar, se quedó en eso, en una aspirante, ya que el film resulta bastante pesado, y no parece estar a la altura de su predecesora.

La matanza de Texas, el origen: Secuela del remake de La matanza de Texas 2004, está vez sin la tremenda Jessica Biel. Sangre, casquería, gritos y sudor para un truño que no asusta a nadie. Ideal para quinceañeros con acné que quieran darse el lote en el cine.

La ciudad perdida: Cinta de Andy García, en la que participan actores importantes como Dustin Hoffman o Bill Murray y que cuenta cómo un dueño de un club en La Habana, se ve salpicado en la década de los 50 cuando Castro llega al poder en Cuba.

Jackass 2, todavía más: Secuela de Jackass, programa de la MTV donde unos cenutrios se dedican a autotorturarse de las formas más salvajes posibles. Aunque tanta salvajada pueda tener su gracia, pagar por ver eso 90 minutos es pasarse de la raya. Ideal para gorreros y demás escoria, que acudirán como borreguitos al cine. Que la disfrutéis.

Por último, respecto al post dedicado a Infiltrados, mi opinión es bien diferente a la de mi colega Norman Crane. Creo que Scorsese ha vuelto a firmar una película magistral, un thriller espléndido con un guión perfecto, unos actores soberbios y con una dirección y un montaje a la altura de los esperado. Que nadie se la pierda. Yo la planto un 9, y tan agusto.

Valoración de Infiltrados, mala traducción

2006-11-02T18:40:00.000+01:00

El viernes pasado se estrenó en nuestras pantallas Infiltrados, la última película de Martin Scorsese, cinta sobre la que, por suponer el nuevo proyecto de un director tan aclamado como el italoamericano, me apetecía exponer mi valoración. Además, es la primera de los claras aspirantes a los Oscar que se han estrenado esta temporada, y este tema de los premios ya sabéis que a mí me fascina.

Pero antes de nada, aclaro que el público estadounidense ha ido a las salas no para ver "Infiltrated", que sería el equivalente inglés al título español pensando de forma apresurada, sino The departed, que viene a significar "el difunto".

Teniendo en cuenta la cantidad de difuntos que nos dejan las dos horas y media de metraje, me cuesta imaginar a quién puede aludir el título original de esta correcta pero sobrevalorada película.

Los asesinatos son la marca de la casa en la filmografía de Scorsese, realizador al que respeto pero del que nunca me he considerado admirador, al nivel de gran parte de la crítica especializada. Me sucede algo similar con Roman Polanski, cuyo caso particular abordaré en otro momento.

Evidentemente, me alegro de que el cineasta natural de Little Italy siga en activo y afronte nuevas historias, pero no suelo tirarme de los pelos por la emoción cada vez que se anuncia uno de sus nuevos rodajes. Es verdad que Taxi driver, Toro salvaje, Uno de los nuestros y Gangs of New York me gustaron, pero me cuesta admitirlas como grandes películas. Tengo que revisar sobre todo las dos primeras, pues las vi hace demasiado tiempo. Pero la impresión que me dejaron entonces no supone ubicarlas en el territorio de lo magistral.

Infiltrados, metiéndome ya en faena, es un policiaco bien dirigido, bien rodado, con el ritmo en ocasiones frenético que le gusta al director (lo que hace que verla en V.O. resulte complicado por instantes). Posee momentos intensos, pero al final se ve lastrado por algunos aspectos que juegan en su contra. La historia en principio no es tan original; para empezar se trata de un remake (Infernal affairs, 2002), que a mí de entrada me echan mucho para atrás. Considero a los remakes como la muestra más evidente de la decadencia de ideas originales en el Hollywood actual.

El filme cuenta con varias líneas argumentales que, a mi juicio, no se han desarrollado como conviene, de cara a que la acción pura y dura sea el motor principal de la película. Esta decisión conceptual repercute en que los personajes principales no estén retratados de la forma adecuada. Lo intrincado de la trama reclamaba un análisis más detallado del conflicto personal y emocional de los dos protagonistas, un policía y un mafioso que intercambian sus papeles y sobre los que pesa de forma constante el miedo a ser descubiertos. Al fin y al cabo, ese es uno de los propósitos de una película: el de aproximarnos a sus personajes y hacer que nos sintamos cercanos a sus problemas, que nos identifiquemos y suframos con ellos. Y en este caso no se ilustra del todo bien dadas las posibilidades que el tema ofrece.

¿Y de dónde se podrían haber sacado unos minutos para tratar estas cuestiones? Pues del triángulo amoroso, que a todas luces estorba y pretende enriquecer la trama de una manera ya demasiado manida. Viene a ser un intento de incrementar el antagonismo de los personajes principales, rivales natos, hasta niveles poco verosímiles.

Si bien la película cuenta con momentos dramáticos logrados, en los que la tensión está bien graduada (como la secuencia del encuentro entre Leonardo DiCaprio y su jefe policía en la azotea de un edificio, con todo lo que sigue a continuación), el guionista William Monahan (responsable del libreto de El reino de los cielos, de Ridley Scott, cinta que detesto) no ha podido evitar la tentación de enredar la historia en exceso. En la última media hora, sobre todo, los giros en el argumento y los golpes de efecto se agolpan buscando el "más rebuscado todavía".

La duración del filme tambié juega en su contra. Parece que Scorsese, en consonancia con otros directores importantes, no puede renunciar a las casi tres horas de rigor que emplea en la mayoría de sus películas (véase las dos últimas, Gangs of New York y El aviador). Demasiado bien tiene que estar contada una historia para que considere oportuna una longitud de metraje de ese calibre.

En el terreno interpretativo, tanto DiCaprio como Matt Damon, los infiltrados en cuestión, hacen un trabajo convincente, así como Mark Wahlberg, que me sorprendió gratamente. Sin embargo, el jefe del clan mafioso interpretado por Jack Nicholson se queda en una caricatura exagerada y forzadamente cómica de los delincuentes que Scorsese ha retratado antaño en la pantalla. Parece que este actor, para mí admirable casi siempre, se lo ha pasado muy bien en este trabajo; pero no consigue equilibrar adecuadamente los momentos distendidos que despliega su personaje con los serios. Más bien queda como un bufón y da la razón a los que afirman que Nicholson no es más que un histrión al que el arroz se le pasa más de una vez.

Infiltrados se aleja de ser la gran película que nos están vendiendo. Supone una muestra estimable de un género que, injustamente, suele ser minusvalorado en muchas ocasiones. Un filme a ratos entretenido, a ratos demasiado enrevesado, del que esperaba más. Quizá porque todavía ando buscando la obra maestra del venerado Scorsese.

De momento, que se conforme con mi 6,5 de nota final a su The departed, que no "Infiltrated".

Mi turno (y una pequeña introducción a GAL)

2006-11-01T17:40:00.000+01:00

Tras la presentación del otro administrador, Norman Crane, ha llegado el momento de que yo haga lo propio.

A nadie extrañará de que diga que me apasiona el cine, puesto que éste es un blog de cine. A diferencia de Norman, aunque yo no le hago ascos al cine clásico, porque lo que importa es que una película sea buena y punto, me muevo más por el cine actual.

La razón es bastante simple: veo poco cone en casa, y lo que me gusta es ir a la sala y ver las películas en pantalla grande. Siempre que puedo acudo al cine, y creo que es algo que por mucha Mula que haya nadie debe dejar de hacer.

No tengo una película favorita como tal, pero hay muchas que me apasionan. En primer lugar, toda la saga "Star Wars" me parece uno de los mayores regalos que se le ha dado a la Humanidad. Los Episodios I y II me resultan un poco más flojos en comparación con el resto, pero en conjunto me parecen las películas de aventuras más sobresalientes que se han hecho nunca. Por supuesto, sin olvidar la trilogía de Indiana Jones, del maestro de maestros, Steven Spielberg, el que para mí es el mejor director vivo (al que muchos aprenderán a valorarle cuando haya muerto, así de ingratos somos los humanos).

Me apasionan films como "El club de la lucha" de David Fincher, otro de mis favoritos. Admiro a directores como James Cameron, Woody Allen, Christopher Nolan, Michael Mann o Bryan Singer.
En cuanto a los actores, hay muchísimos que me gustan, aunque tengo debilidad por Edward Norton, que últimamente está desaprovechado, y tengo especial admiración por el denostado Tom Cruise. Creo que Cruise a pesar de sus placentas y demás bufonadas, es un actor que sabe elegir sus proyectos como nadie, y que interpreta mucho mejor de lo que la gente piensa. Puede que en los 80 fuera el típico guaperillas, pero es un tío que ha sabido labrarse una gran carrera y que espero que siga así. Poco pueden decir como él, que han trabajado con los mejores directores americanos: Scorsese, Spielberg, Oliver Stone, Coppola, Mann...
Ya para terminar, quiero dedicarle unas líneas a "GAL", la película que se estrena el 3 de noviembre, producida por EL MUNDO TV y dirigifda por Miguel Courtois, autor de "El Lobo".

El trailer ya atufaba a telefilm barato, pero al parecer las sospechas se han confirmado. El lunes pasado, la cinta se proyectó en la Facultad de Ciencias de la Información de la Complutense, donde las carcajadas no pararon del primer al último segundo, en especial cuando aparecía el siempre pasado de vueltas Jordi Mollá. Además, Natalia Verbeke se proclama como una de las peores actrices del panorama nacional, con una actuación ridícula y artificial. Incluso un cáctus es más convincente en pantalla.

Ahora, por si no lo habéis visto, os dejo con el divertidísimo trailer:

Presentación de Norman Crane

2006-10-31T19:13:00.000+01:00

Hola, visitantes. Soy Norman Crane, uno de los dos creadores de este blog que, esperamos, sea una oportunidad de manifestar nuestras y vuestras inquietudes acerca del séptimo arte, un tema sobre el que no hay que ser especialmente ducho para poder opinar, pues todos lo sufrimos y disfrutamos por igual, y en cierto modo nos influye en nuestra visión de las cosas.

Mi afición por el cine empezó pronto. Desde pequeño me aficioné a las películas, pero me apetecía ir más allá. Comencé a interesarme por conocer el proceso de creación de una película, saber qué papel jugaba cada aspecto técnico y artístico en el resultado final de un filme que, al fin y al cabo, viene a ser una historia más o menos larga, más o menos interesante, y más o menos bien contada.

Con el tiempo me he transformado en un seguidor acérrimo de este mundo, y siempre he pensado que mi sueño frustrado es no haberme convertido en director cinematográfico.

Me interesa mucho el cine en general, preferentemente el clásico, al que veo como una fuente de inspiración de los filmes que progresivamente se han ido produciendo, desde aquellas gloriosas décadas de los 30 y 40. Creo que el cine actual está algo en declive: faltan ideas originales, los grandes maestros de antaño, y sobran pretensiones trascendentales y afanes económicos.

Me cuesta mucho calificar a una película como obra maestra. A pesar de ello, tengo unas cuantas preferidas que suelo revisionar. Para que os hagáis una idea: Psicosis, Casablanca, Charada, Manhattan, Hatari, Perdición, El padrino, El mago de Oz, Sopa de ganso, La noche del cazador, Con la muerte en los talones, Siete novias para siete hermanos, Un mundo perfecto, L.A. Confidential, Bailar en la oscuridad y Million dollar baby.

Los directores de toda la vida que admiro son Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Howard Hawks... y, a día de hoy, Clint Eastwood me parece el number one y el último clásico en vida.

Me suelo fijar mucho en la parte interpretativa de las películas. Actualmente, no hay intérpretes de la categoría de Jack Lemmon, Cary Grant o Marlon Brando, pero veo muy buenas maneras en gente como Sean Penn, Russell Crowe, Ed Harris o Kevin Spacey. En cuanto a actrices, suelo destacar a Susan Sarandon y Meryl Streep.

También me interesa el tema de los galardones cinematográficos, en especial de los Oscar; aunque asumo que los premios son, en la mayoría de las ocasiones, un selecto escaparate para la promoción, en cuya concesión se han cometido más olvidos e injusticias que aciertos a lo largo de las ediciones de entrega.

Intentaremos tratar en el blog distintos temas sobre cine que os puedan interesar, siempre desde nuestro punto de vista particular, que no tiene por qué coincidir. Ni mucho menos.

El debate queda abierto.

Un saludo.

Bienvenidos

2006-10-31T18:37:00.000+01:00

Hoy noche de Halloween, Norman Crane y yo, Tyler Hunt, estrenamos este blog. Os hablaremos de nuestras inquietudes cinematográficas, y nuestra forma de ver el cine. Os hablaremos del cine que nos gusta, noticias, proyectos, chascarrillos....

Esperamos que os guste. Además, Norman Crane el mayor experto en los premios Oscar, os responderá a todas vuestras dudas relacionadas con los premios, o con cualquier duda fílmica que tengáis.